Jim Morrison

“Hey, escucha. Yo solía pensar que todo era una gran broma. Yo pensé que era algo para reírse de ello, y el último par de semanas conocí a algunas personas que estaban haciendo algo. Ellos estaban intentando cambiar el mundo y yo quiero unirme al viaje. Yo quiero cambiar el mundo”.

Janis Joplin

“Sí, somos feos, pero tenemos la música”. Su voz era tan rebelde como su espíritu, imposible de domar.

Jimi Hendrix

"Cuando el poder del amor supere el amor al poder el mundo conocerá la paz".

Iggy Pop

“Aquí, o estás abajo, muerto de hambre, o en la cima, convertido en juguete popular”.

Bob Marley

“La gente que esta tratando de hacer este mundo peor no toman ni un día libre, ¿como podría tomarlo yo? ilumina la oscuridad”. Dijo esto después de recibir un tiro de pistola, siguió con el concierto que había iniciado.

George Harrison

"La vida es un largo enigma mi amigo, así que siga leyendo, siga leyendo, la respuesta está al final".

lunes, 4 de septiembre de 2017

CLOSE TO THE EDGE - Yes

Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En este álbum el grupo estableció una recurrente tendencia al incluir una sola canción mucho más larga que las otras, ocupando completamente una cara del disco. Esto volvió a repetirse en los álbumes Relayer (que incluyó "The Gates of Delirium") y Going for the One (que incluyó "Awaken").
Se trata de una composición soberbia, sumamente ordenada en la que cada voz instrumental ha recibido gran cuidado en su factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema "Close to the Edge" se observa también superposición de acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción "Close to the Edge" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y "Siberian Khatru" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
La estructura de "Close to the Edge" guarda relación con ciertos temas básicos en la novela de Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 años, y en donde resaltan dos tópicos: el contraste entre el mundo espiritual y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. La novela se divide en tres partes en las cuales Siddartha experimenta la vida del asceta, la del mundo material y sensual y el ilumina-miento por el río, que actúa como símbolo de eternidad a lo largo de la novela, y es la imagen central alrededor del cual se desarrolla la historia. Afirma de inmediato que no debemos entender la pieza de Yes como una reproducción de la novela o algún personaje.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo.

"Near to the Edge" fue escrito por Anderson y Howe, ambos de los cuales también comparten créditos para las letras. Su longitud de 18 minutos marcó la pista más larga que se había grabado en ese momento. Su introducción de bucle de cinta, una combinación de sonidos de teclado y naturaleza, incluyendo agua corriente y chirridos de pájaros grabados en la localización, midieron aproximadamente 40 pies de longitud y llevaron dos días de grabación. Anderson se inspiró para incluir los sonidos de los pájaros, y la sección instrumental en "I Get Up, I Get Down", de escuchar Sonic Seasonings (1972), un álbum ambiental electrónico de Wendy Carlos. Anderson sugirió comenzar con una improvisada mermelada de grupo, que el grupo consideró aventurera y es una de las razones por las que la banda viene de la nada en la toma final. La pista fue ensamblada en pedazos a través de, como Bruford describió, "en diez, doce, seises-bar secciones". Su introducción se produjo después de que la banda había viajado con el grupo de fusión Mahavishnu Orchestra; alguien en la banda sugirió que la pieza se abriera con improvisación con pausas preestablecidas. Anderson fue inspirado en basar su tema y letras en Siddhartha (1922) por el novelista alemán Hermann Hesse, y revisó las letras de la canción "tres o cuatro" veces, diciendo "es todo metáforas". La letra para el versículo final se basó en un sueño que él tuvo una vez sobre el "pasar de este mundo a otro ... sin embargo la sensación tan fantástica que tubo sobre él, hizo que la muerte nunca le asustara desde entonces". La letra del coro "Cerca del borde, abajo por un río" fue inspirada por Howe mientras vivía en Battersea en el río Támesis. La música tocada durante esta sección era originalmente una canción del mismo nombre que Howe unió varios años antes, en parte se basó en el día más largo del año. Anderson y Howe acordaron que esta sección encajaba mejor con una composición de Anderson titulada "Total Mass Retain", uniendo así las dos ideas. Howe había preparado otra canción, de la cual su medio ocho fue adaptado en el "En su cordón blanco ..." sección de "me levanto, me descenso". El solo de órgano de Wakeman fue escrito por Howe para la guitarra originalmente, pero pensó que el arreglo sonaba mejor en el órgano. Se toca con el órgano de pipa de St Giles-sin-Cripplegate en la iglesia de Barbican. La banda produjo una toma de la sección después del solo de órgano de la iglesia estando satisfechos, pero cuando llegó a insertarlo en la mezcla final, Offord había insertado la toma que pensaba que era la correcta y colocó la toma buena en el contenedor de la cinta desechada. El resultado causó una grabación de cinta notable que tuvo que permanecer en la mezcla, la tarea de reproducir exactamente el sonido habría sido una imposibilidad.
"And You and I" se originó como una canción más folk-orientada que Anderson desarrolló con Howe. Su estilo y temas fueron trabajados por Howe, Bruford, y Squire, la única pista en el álbum que los créditos Bruford y Squire como escritores. Anderson lanzó sus ideas para la pista mientras que rasguea acordes en una guitarra, cantando la sección donde entra la primera lírica. Era un tema que Howe particularmente gozó y era difícil de adaptar. Mientras presentaba la canción en gira, Anderson dijo que su título de trabajo era "The Protest Song". En su forma original, la canción tuvo un final extendido que Welch llamó "un clímax rompiente", pero su popularidad entre la banda disminuyó con el tiempo, llevando a su decisión de cortarla en la versión final. Anderson describió la pista similar a la de un himno, en el sentido de sentirse "seguro en el conocimiento de saber que hay alguien ... Dios tal vez".
"The Preacher the Teacher" se desarrolló en una sola tarde. Anderson sugirió la idea de tener una sensación más campesina, a la que Howe y Squire llegaron con arreglos respectivos de guitarra y bajo que Anderson pensó "es afectivo sentarnos juntos".
"Siberian Khatru" se desarrolló a partir de una idea que Anderson tenía en una guitarra acústica. No tenía la pista entera grabada, por lo que el resto del grupo tomó las secciones que necesitaban ayuda y discutió qué riffs más le convenía, ya que le faltaba uno lo suficientemente fuerte como para llenar la canción. Es la única pista en el álbum que tiene Wakeman acreditado como escritor. En términos de sus letras, Anderson señaló que la canción es una colección de "palabras interesantes, aunque sí se relaciona con los sueños de claros días de verano". Afirmó que "khatru" se traduce a "como usted desea" en Yemen, pero no tenía idea de lo que significaba la palabra en ese momento hasta que le pidió a alguien que buscara su significado. Cuando se trataba de grabar el solo de guitarra de Howe, un experimento implicó a Offord colocando un micrófono por el amplificador y haciendo que su asistente oscilara un segundo micrófono alrededor de la habitación para crear un efecto Doppler.

El diseño de la cubierta fue lanzado con una manga del gatefold diseñada e ilustrada por Roger Dean, que también había diseñado la cubierta para Fragile (1971). Marcó la primera aparición del emblemático logotipo de la banda, colocado encima de un simple diseño de portada de un gradiente de color lineal de negro a verde. El logotipo de Dean ha sido descrito como un "colofón caligrado". En su diseño original, Dean quería que el álbum se asemejara a la calidad de un libro grabado en oro.

  1. "Close to the Edge" (Jon Anderson/Steve Howe) - 18:41
    1. "The Solid Time of Change"
    2. "Total Mass Retain"
    3. "I Get Up I Get Down"
    4. "Seasons of Man"
  2. "And You and I" (Jon Anderson; algunos temas por Bill Bruford/Steve Howe/Chris Squire) - 10:08
    1. "Cord of Life"
    2. "Eclipse" (Jon Anderson/Bill Bruford/Steve Howe)
    3. "The Preacher the Teacher"
    4. "Apocalypse"
  3. "Siberian Khatru" (Jon Anderson; algunos temas por Jon Anderson/Steve Howe/Rick Wakeman) - 8:55
Remasterización de 2003
4. "America" - 4:12
5. "Total Mass Retain" - 3:21
6. "And You and I" - 10:17
7. "Siberia" - 9:19



miércoles, 30 de agosto de 2017

LA ERA DE LA BOLUDEZ - Divididos

La era de la boludez es el tercer álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 1993 por la discográfica PolyGram. Para esta ocasión, la banda está formada por el guitarrista y cantante Ricardo Mollo, el bajista Diego Arnedo y el baterista Federico Gil Solá. Con canciones como "Qué ves?" y la versión de "El arriero", de Atahualpa Yupanqui, que se han transformado en clásicos del rock nacional en Argentina.
Gracias a este álbum, Divididos lograría, además de forjar su sonido compacto y genuino, alcanzar el reconocimiento generalizado de parte del mundo del rock en Argentina. Además del éxito conseguido, el disco también aporta una mirada cruda en el pasar de un país, que por aquel entonces llevaba casi una década de democracia y casi un lustro bajo la frivolidad de la era menemista. Mezclado en Estados Unidos y con Gustavo Santaolalla como director artístico y productor “la aplanadora del rock” alcanzaría su punto máximo en su tercer material. Está considerado el séptimo mejor álbum en la lista de los 100 mejores álbumes del rock nacional argentino de la revista Rolling Stone.

En La era de la boludez, la banda asoman el folclore distorsionado, Atahualpa y los Beatles, el funk, el reggae, Latinoamérica, Galeano, los indios, humor y verdades. En el tercero en cuestión existen momentos fuertes como “Salir a comprar”, “Rasputín” y “Paisano de Hurlingham”, necesarios para complementar al repertorio con una mirada cruda en el pasar de un país, que por aquel entonces llevaba casi una década de democracia y casi un lustro bajo la presidencia de Carlos Saúl Menem. “Salir a comprar” muestra la frivolidad menemista sin rodeos bajo un funk criollo imparable y virtuoso que da pie al hit del disco.
Desde el comienzo el sonido demoledor del trío comienza a tomar la escena con “Salir a asustar”, “Salir a comprar” y una recordada versión rockera de “El arriero” de Atahualpa Yupanqui. Sobre esta última Ricardo Mollo declaró en una entrevista: “Estábamos haciendo un blues como si fuera Led Zeppelin haciendo un blues y en un momento había que ponerle una letra y se me ocurrió cantar “El arriero”, broto la letra de Yupanqui y ahí quedó”.
Qué ves?” canción de notable tratamiento: especie de reggae duro en cuanto a la guitarra, mientras la base foguea hacia el folclore. Tornándose andina (por momentos) aportando hipnotismo gracias a la utilización del sonido del charango, que se suma para la segunda estrofa y que únicamente cesa en la coda del tema: la que se reparte entre el malambo y el vuelo guitarrístico de Ricardo Mollo. El trabajo de las voces es sutil y preciso: justo cuando callan la batería y el bajo luego de la coda. “Qué ves?” sonó tanto en las radios por aquellos años que el grupo llegó a cansarse de su propio tema y no lo tocaron en vivo por muchos años.
Poco antes de la mitad del disco dispersan con el instrumental “Pestaña de camello”, con el sonar del sitar transformándose en la intro de “Rasputin/Hey Jude”: un rock de alto volumen. El rock violento tiene algo más de lugar gracias a “Rasputín/Hey Jude” (enganchando en el final del tema el clásico de The Beatles) y “Paisano de Hurlingham”, otro obligado a la hora de resaltar las virtudes de este trabajo.
El contrabajo y el slide guitar son protagonistas en “Dame un limón” junto a la trompeta con sordina, el trombón y el humor agrio de la resaca, que se mezclan junto a los tubos a cargo del gurú Santaolalla. “Cristófolo Cacarnu” e “Indio dejá el mezcal” marcan puntualmente el contacto con el reggae y la psicodelia. Una esencia de raíz abarca el sonido del álbum, demostrado sin vueltas (pero eléctricamente) en la genial y ácida “Ortega y gases” y en la chacarera “Huelga de amores”, inspirada en lecturas a Eduardo Galeano. La experimental y humorística “Tajo C” pasa revista y presenta el final: “Pestaña de camello (reprise)" donde resuenan variaciones de algunos momentos del disco y llaman a la imaginación, siendo este el tema mas experimental del disco con el sonido del sitar en primer plano.
El trabajo de producción estuvo a cargo de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel que como productores asociados lograron un contundente todo de canciones. El toque de Federico Gil Solá le proporcionó un condimento distinto, que coincide con la explosión de la banda que llenó trece veces el estadio Obras en 1993.

Todas las canciones compuestas por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Federico Gil Solá excepto las señaladas.
    1. Salir A Asustar – 3:20
    2. Ortega Y Gases (Mollo, Arnedo, Gil Solá, Néstor Morales) – 2:32
    3. El Arriero (Atahualpa Yupanqui cover) – 6:38
    4. Salir A Comprar – 4:38
    5. Qué Ves? - 5:13
    6. Pestaña De Camello – 1:27
    7. Rasputín/Hey Jude (Mollo, Arnedo, Gil Solá/John Lennon, Paul McCartney) – 3:54
    8. Dame Un Limón (Mollo, Arnedo, Gil Solá, Gustavo Santaolalla) – 3:57
    9. Paisano De Hurlingham – 3:58
    10. Cristófolo Cacarnú – 2:40
    11. Indio Dejá El Mezcal – 4:12
    12. Huelga De Amores – 1:53
    13. Tajo C (Mollo, Arnedo, Gil Solá, Rubén Pais) – 2:47
    14. Pestaña De Camello – 4:10
      Invitados


      sábado, 22 de julio de 2017

      HYBRID THEORY - Linkin Park

      Hybrid Theory es el álbum debut del grupo de nu metal Linkin Park, lanzado a la venta el 24 de octubre de 2000. En el año 2001, este álbum fue el más vendido en Estados Unidos. Es además, el álbum debut que más copias ha vendido en el siglo XXI. La RIAA lo certificó como diamante (10 veces Platino) en Estados Unidos. Hasta entonces llevaba vendidas más de 20 millones, sin embargo a principios de 2009 se notificó que el álbum había vendido más de 28 millones de discos a nivel mundial.
      El nombre Hybrid Theoryera originalmente el de la banda. Debido a problemas con derechos de autor con una banda inglesa llamada Hybrid, el nombre se convirtió en Lincoln Park, y poco después distorsionado a Linkin Park. Recordando sus inicios, el álbum conserva el nombre original.
      Fue grabado en NRG Recordings en el norte de Hollywood, California y fue producido por Don Gilmore. El álbum habla sobre los problemas del vocalista de la banda, Chester Bennington, experimentados durante su adolescencia, abarcando temas como el abuso de alcohol o como la violencia intrafamiliar y el divorcio, entre otros.
      De este álbum se lanzaron 4 sencillos: "One Step Closer", "Papercut", "In the End" y "Crawling", éste último ganador de un Premio Grammy en el 2002. En estos mismos premios, el álbum fue nominado a "Mejor Álbum Rock".

      La música de Hybrid Theory
      se basa en diversas fuentes de inspiración. el estilo de canto Bennington está influenciada por artistas como Depeche Mode y Stone Temple Pilots , mientras que los riffs y técnicas de interpretación del guitarrista Brad Delson se ven influenciados por artistas como Deftones, Guns N 'Roses, U2 y The Smiths. el rap de Mike Shinoda se ve presente en siete temas, está muy cerca de Las Raíces "de estilo. El contenido lírico de las canciones evoca principalmente a los problemas que encontró Bennington durante su niñez, incluyendo abuso de menores , constante y excesivo abuso de drogas y alcohol, el divorcio de sus padres, el aislamiento, decepciones, y los sentimientos tras de relaciones fallidas.
      • El álbum finalmente produjo cuatro singles One Step Closer, la segunda pista del álbum y primer single, fue grabado gradualmente en incrementos después de Linkin Park luchado con" Runaway ", y cuenta con un riff de guitarra y percusión electrónica en la transición de la introducción en un puente con pesadas guitarras de distorsión y agresivo tambores. También es famoso por el "¡Cállate cuando te este hablando!" abstenerse gritó por Bennington un minuto y 48 segundos en la canción. El video musical de "One Step Closer "se rodó en un Los Angeles del metro [ y se convirtió en un éxito instantáneo, el tiempo que reciben gran rotación en MTV y otras cadenas de televisión musicales. El bajista Scott Koziol aparece de pie tocando con la banda en el video. Dicha canción, también aparece en Das Experiment (El experimento), película alemana de 2001, inspirada en el famoso «Experimento de la cárcel de Stanford» llevado a cabo en 1971..
      • El segundo single fue "Crawling". Líricamente, la canción se centra en las experiencias personales de Bennington con el maltrato infantil y su experiencia con las drogas - violencia física, la dificultad para romper el ciclo de abuso, y la posterior pérdida de la autoestima. Este concepto se repite en el video musical, en los que una chica (Katelyn Rosaasen) es abusada por su padre y se puede ver en el inicio del vídeo con varias contusiones.
      • El tercer single del álbum fue Papercut, y su letra describe la paranoia. El video musical de "Papercut" cuenta con la banda tocando en un pasillo frente a una cámara oscura por completo en las paredes de las cuales se escribía la letra de la canción. Varios temas sobrenaturales están presentes en el video y efectos especiales se utilizan para crear versiones espeluznante, como el "estiramiento" de los dedos Shinoda y la "fusión" de la cara de Bourdon.
      • El cuarto sencillo de Hybrid Theory fue "In The End", que cuenta con un destacado riff de piano de firma realizado por Hahn. Su rap también domina en los versos de la canción y más tarde se unieron las voces de Bennington en el coro. El concepto de la canción se basa principalmente en la falla de una persona. Se considera símbolo de una relación que termina, sin embargo, también puede representar la confianza rota en una amistad duradera. El video musical de "In the End" fue filmado en varias paradas a lo largo del 2001 Ozzfest tour y fue dirigida por Nathan "Karma" Cox y el DJ de la banda Joe Hahn , quien iba a dirigir muchos de los futuros videos de Linkin Park, los dos también dirigieron el video musical de "Papercut". A pesar de los antecedentes de "In The End" de vídeo fue filmado en el desierto de California, la propia banda se presentó en una fase de estudio en Los Ángeles con prominentes CGI efectos y composiciones que se utilizarían para crear la versión final. La realización de una fase del estudio permite a Hahn y Cox hacer estallar las tuberías de agua sobre el escenario cerca del final y remojar a la banda. El video ganó el premio al Mejor Vídeo de Rock en el 2002 MTV Video Music Awards.
      • Points of Authority, la cuarta pista en el álbum, tiene su propio vídeo musical que se puede encontrar en Frat Party en el Festival de Pankake , el primer DVD de la banda. El baterista Rob Bourdon describe el proceso de grabación de la canción: "Brad escribió este riff, a continuación, fue a su casa. Mike decidió cortarlo en pedazos diferentes y se han reorganizado en el ordenador, Brad tuvo que aprender su propia parte de la computadora.
      Hybrid Theory es el primer álbum en el que Mike Shinoda trabaja como diseñador gráfico antes de convertirse en un músico profesional, ha declarado que la banda había mirado a través de libros en busca de inspiración sobre cómo se presentarianpor primera vez. El resultado fue un soldado-alado que Shinoda ilustra. De acuerdo con Chester Bennington, la idea de que el soldado con alas de libélula fuera a describir la mezcla de elementos musicales suaves y duros por el uso de la mirada hastiadadel soldado. La portada también incluye letras revueltas de las canciones del álbum en el fondo, aunque la letra de "One Step Closer" son las más destacadas. Una versión diferente del soldado se puede ver en algunos de los singles del álbum. La portada de " reanimatión ", un álbum de remezclas de Hybrid Theory, cuenta con una versión robótica del soldado, similar aljuego de móvil Gundam que aparece en las seriesde anime Gundam Wing que alcanzó una gran popularidad en los Estados Unidos antes de su lanzamiento.

      Todas las canciones escritas por Linkin Park, excepto donde se indique.

      1. Papercut – 3:05
      2. With You – 3:23
      3. Crawling – 3:29
      4. Runaway – 3:04
      5. By Myself – 3:10
      6. In the End – 3:36
      7. A Place For My Head – 3:09
      8. Forgotten – 3:14
      9. Cure for the Itch – 2:34
      Bonus Tracks de iTunes
      1. My December (Mike Shinoda) – 4:20
      2. High Voltage (canción de Linkin Park)» (Mike Shinoda, Joseph Hahn y Brad Delson) – 3:45
      3. Papercut (Live at BBC1) – 3:47
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      martes, 4 de julio de 2017

      INFINITE - Deep Purple

      Infinite es el vigésimo álbum de estudio de la banda de rock Deep Purple, puesto a la venta el 7 de abril de 2017.

      Posiblemente este será el último trabajo de los Deep Purple y lo que está claro es que será su última gran gira. ¿Qué tienen que demostrar a estas alturas una banda creada en 1968 y que creció al mismo ritmo que lo hacía el Rock y el Metal? Absolutamente nada porque ellos son uno de los pilares fundamentales sobre los que se sustenta el universo del rock, sin ellos no habría nada.

      Time for Bedlam es el tema con más gancho de todo el trabajo, tiene un ritmo rápido el tema y la guitarra alterna con el teclado que es el gran protagonista del tema en todo momento. Don Airey nunca hará olvidar a Jhon Lord, el mejor teclista de todos los tiempos, pero es el único teclista que podría ocupar el puesto dejado por el maestro, recordemos que Geoff Nicholls ha fallecido recientemente. Don Airey hace un estupendo trabajo.
      Hip Boots es un tema donde repasan el legado de los primeros años sesenta y primeros setenta, como Deep Purple, Shades of Purple y The Book of Talesyen, ese sonido del órgano Hammond, la psicodelia y el rock en su estado más puro, pero falta chispa.
      Para mi gusto, el último gran trabajo de la banda fue Purpendicular y sus aires progresivos, pues bien, los tratan de alcanzar con All I Got is You, es una mezcla del rock progresivo y creativo de Purpendicular con un toque atmosférico que recuerda a temazos como Anya o el mítico Perfect Strangers… lejos de esas cotas creativas pero con un buen gusto compositivo más que evidente.
      One Night in Vegas es un tema corto al que le falta una orientación musical más concreta y se me queda corto por todas partes. Get me Outta Here es más experimental, un dueto entre Ian Paice y Don Airey, que en directo podrán desarrollar de forma creativa, siempre les gustaron las Jam Session, pero es de esa clase de temas que se hace muy aburrido de escuchar en un disco.
      The Surprising tiene un arranque enérgico donde la guitarra nos recuerda a la magia del Stormbringer…. que carrera más meteórica la de Deep Purple y brillante, con picos tan altos como la era Coverdale-Hughes, el Perfect Strangers el Machine Head o incluso álbumes despreciados como el Come Taste the Band que son una auténtica maravilla, hay que quitarse el sombrero ante ellos.
      Johnny’s Band sigue el repaso a su carrera aunque sin chispa, siendo prácticos, estaban muchísimo mejor sus anteriores álbumes el Now What y el Rapture to the Deep. On Top of the World es un quiero y no puedo en el plano compositivo, este no es el típico álbum que gana con las escuchas. Disfrutas de su clasicismo pero la falta de feeling es más que evidente, no había ninguna necesidad de editar material nuevo, su legado es tan basto que no necesitábamos de estos temas…. pero quisieron despedirse como músicos y la misión de un músico es buscar siempre la creatividad.
      Birds of Prey al menos tiene un toque sureño y algo épico, una buena atmósfera que lleva al tema a buen puerto. Curiosamente se despiden con una versión de los Doors, el Roadhouse Blues, muy descafeinada, los Doors son los Doors y los Purple son los Purple, son dos universos que no se entienden.

      Las ilustraciones de la cubierta representan el rompehielos USCGC Healy de la Guardia Costera de los EEUU. El rastro que queda en el hielo forma las iniciales de Deep Purple, dyp , que están dispuestas para formar el símbolo del infinito.
      Todas las canciones escritas por Don Airey, Ian Gillan, Roger Glover, Steve Morse, Ian Paice y Bob Ezrin, excepto donde se indica.
      1. "Time for Bedlam" – 4:35
      2. "Hip Boots" – 3:23
      3. "All I Got Is You" – 4:42
      4. "One Night in Vegas" – 3:23
      5. "Get Me Outta Here" – 3:58
      6. "The Surprising" – 5:57
      7. "Johnny's Band" – 3:51
      8. "On Top of the World" – 4:01
      9. "Birds of Prey" – 5:47
      10. "Roadhouse Blues" – 6:00 (versión de The Doors)



      domingo, 18 de junio de 2017

      RETURN TO OMMADAWN - Mike Oldfield

      Return to Ommadawn es el álbum de estudio número 26 de Mike Oldfield. Siendo una secuela de su tercer álbum Ommadawn.
      Publicado el 20 de enero de 2017 en formato CD, CD/DVD, LP y Descarga Digital por el sello discográfico Virgin EMI Records. El formato CD/DVD-Audio contiene una versión viene en sonido envolvente 5.1.
      Mike Oldfield siempre tuvo en mente realizar una secuela de su tercer álbum, en principio el álbum ha jugado con la idea de crear una secuela de Ommadawn en el pasado; Amarok se compuso para terminar siendo Ommadawn II, pero al final tomó su propia dirección.
      El 16 de octubre de 2015, declaró en Twitter, "continúo trabajando con algunas ideas para "Un Nuevo Ommadawn" durante la última semana espero que funcione." El 8 de mayo de 2016, declaró en su página de grupo de Facebook que la secuela de Ommadawn con el atractivo título de "Return to Ommadawn" estaba finalizada, estando a la espera de una fecha de lanzamiento por la compañía discográfica.
      El 7 de diciembre de 2016, anunció en Facebook que la fecha de lanzamiento sería el 20 de enero de 2017, adjuntanto también una muestra de 30 segundos, y la emisora de radio BBC Radio 2 emitió una versión exclusiva para la radio de 3 minutos.
      Return to Ommadawn es el primer álbum desde el publicado en el año 1978 Incantations, que sigue nombrando cada tema como "Parte Una", "Parte Dos", etc, en cada cara del vinilo.
      El álbum fue bien recibido tanto por los medios de comunicación como por la crítica, y la música catalogada como un estilo de regreso a sus raíces.

      Return To Ommadawn: "Parts I & II", el álbum se compone de solo dos piezas, sin más complicaciones, al igual que aquel "Ommadawn" de 1975 donde se entremezclaban sonidos del mundo con la música Celta, aquí pasa algo similar y desde las primeras notas se reconoce la firma de Oldfield. Las precisas mezclas de aires y melodías se entrelazan tejiendo un mapa sonoro encantado y ensoñador. Desde el primer instante se te dibuja una sonrisa al volver a escuchar al Oldfield de antaño, ese que factura una música emotiva con cierto aire de tristeza y melancolía.
      Evidentemente, como debe ser, todos los instrumentos son interpretados por Mike Oldfield, desde la guitarra hasta el Bodhrán un típico tambor Irlandés. Un sinfín de instrumentos y cachivaches para gestar un trabajo magnifico y merecedor de escuchas atentas y relajadas. Con un sonido de increíble pureza, Oldfield vuelve a recurrir a sonidos del mundo y por momentos podemos sentir el calor de África gracias a unos tambores africanos, o sobrevolar Asia y Sudamérica tomando pinceladas de su música tradicional. Aunque es su guitarra la estrella en todo el disco, reconocible y personal como solo los grandes saben, Omadawn es seguramente uno de sus mejores trabajos y uno a los que los fans le tienen más cariño.

      1. "Return to Ommadawn (Part I)" (Mike Oldfield) – 21:10
      2. "Return to Ommadawn (Part II)" (Mike Oldfield) – 20:57

      Todos los instrumentos que se incluyen en la lista son tocados por Mike Oldfield:
      Instrumentos de cuerda:
      Teclados:
      Percusión:
      Otros:
      Amplificadores:

      domingo, 28 de mayo de 2017

      PARA QUIENES AÚN VIVEN - Exquirla

      Exquirla (Toundra, Niño de Elche) es un proyecto musical donde se unen por un lado el grupo de rock instrumental Toundra, y por otro el Niño de Elche con su mundo flamenco. Su álbum debut "Para Quienes Aún Viven" fue lanzado a través de Superball Music / Sony Music el 17 de febrero de 2017.
      Parte de la obra del poeta Enrique Falcón "La Marcha de los 150 Millones" ha servido como fundamento para la creación del album, exprexando una aversión a la injusticia nada velada, en un tono muy natural y a la vez expresivo, realizando un llamamiento a la palabra como arma:

      [ Ya es el tiempo. Ya no hay miedo
      Que la marcha arranque y que el llanto acabe,
      que se moje la madera con la cruz de mis hermanos,
      los caídos se levantan, los que aquí murieron.
      Ignoro por tanto la réplica que habrá de traerme / nuestra inservible canción. ]

      Así es como termina "Canción de E", el tema que abre el álbum debut de Exquirla. La voz de Enrique Falcón, poeta contemporáneo cuya inmensa obra "La marcha de 150.000.000" ha servido como fundamento para la creación de "Para Quienes Aún Viven", hace un llamamiento a las armas de la palabra y la acción para que el bloque musical obstinado que la acompaña se convierta, cuando la voz se silencia, en una melodía cargada de sentimiento pero no falta de fuerza -esta esperemos que algún día ya no inservible canción-. La interpelación del título del disco es clara: lo que se sigue de aquí es un clamor surgido de las puras entrañas, directo a las de aquellos que todavía pueden hacer algo para sobreponerse a la injusticia y la desgracia que los rodea.
      "Destruidnos Juntos", primer single que pudimos disfrutar por anticipado, se sirve de la dinámica suave-fuerte característica del post-rock para ilustrar la exposición de una de las ideas narrativas centrales del álbum: el inevitable choque entre un mundo privilegiado minoritario y otro que, sin otra voluntad que la de huir del sufrimiento, pone en jaque ese desequilibrio establecido. Las dos respuestas a este encuentro, la del rechazo violento y la de la empatía, ambas necesarias por la naturaleza humana, no solo toman forma en pasajes algunos emotivos y cargados de reflexión y otros terroríficos por su épica intensidad, sino que encuentran una síntesis perfecta en los versos "Porque nada sé de ti, / para dejarme matar / he de dejar de mirarte".
      "Hijos de la Rabia", el corte que sigue, son nueve minutos de sangre entrando en ebullición y corazones aunándose en su determinación. Aquí, el departamento instrumental muestra una vertiente más rockera, pero no concede protagonismos, sino que hace gala de una simbólica coralidad.
      Hay aires de interludio en "Interrogatorio", tanto por su corta duración como por su cambio de registro musical, pero el respiro que ofrece con su belleza viene acompañado por la formación de un nudo en el estómago al señalar directamente con el dedo a una Europa incapaz de dar respuesta al horror.
      "El Grito del Padre", su consecuencia lógica, aviva ni que sea por el imaginario que despierta recuerdos recientes en las costas mediterráneas orientales, deja espacio a la sección instrumental para desarrollar un discurso musical de impotencia, rabia y sobreposición, y termina con los ecos escalofriantes de mil fantasmas que no pueden quedar en el pasado. Quizá sea uno de ellos el que protagoniza "contigo", cuya construcción impacta por sencilla y directa, atacando al núcleo del sentimiento con una oda sobria pero compungida a la física de la ausencia.
      "Un hombre" sigue una premisa sencilla pero su planteamiento despierta una conexión empática instantánea: "Un hombre está muriendo y no hace ruido". Si aun visualizando el mejor de los escenarios resulta difícil pensar con la cabeza fría que no vamos a morir completamente solos, el paisaje de ejecución que pinta Exquirla es ya agonizante. Arranca suave, sereno, y crece poco a poco hasta que, cuando se ve claro que no hay vuelta atrás, se desencadena una explosión que tiene toda la transcendencia, gravedad y hasta épica de la muerte sin que deje de pesar su profundo sinsentido. Los gritos ahogados de Francisco Contreras al final de la canción helarían la sangre de cualquiera, y reivindican uno de sus mayores aciertos como vocalista: que las posibilidades del aparato fonador definitivamente no se agotan en el cante -hay cosas que no se pueden cantar pero necesitan ser expresadas-.
      Para cerrar el álbum, y otorgando por ende a esta institución una especial presencia de responsabilidad, la "Europa Muda" mencionada en "Interrogatorio" no es ya solamente señalada con el dedo, sino directamente puesta ante un espejo para que pueda experimentar la gran incongruencia que su posición significa a nivel humano. La idea es dolorosa: eliminados de la ecuación los uniformes, las banderas y los himnos, lo que quedamos somos personas que, como tales, compartimos vísceras. "Cuando tu hija es ensartada en el poste / dime ahora quién te nombra / dime ahora quién ha ganado". Los lamentos sentidos de Contreras y la música, suave y cariñosa pero apesumbrada, mecen el mensaje con un tono que es de reproche, pero que sobre todo es de disculpa. Enunciado éste, permanece un poso en forma de coda cuya distorsión hace aún más pesado el silencio que, poco a poco, se sobrepone al todo. (BINAURAL)

      La maquetación corrió a cargo de Carlos Ojeda Lobo (ROSKI)

      1. Canción en E – 2:55
      2. Destruidnos Juntos – 8:57
      3. Hijos de la Rabia – 9:00
      4. Interrogatorio – 1:41
      5. El Grito del Padre – 8:51
      6. Contigo – 3:22
      7. Un Hombre – 9:59
      8. Europa Muda – 10:22

      • Francisco Contreras (Niño de Elche): Vocalista
      • Esteban Jimenez Giron: Guitarra
      • Alberto Tocados: , Bajo y sintetizadores
      • Alejandro Pérez: Bateria
      • David López: Guitarra

      Colaboraciones:
      • Enrique Falcón: recitados en "Canción de E"
      • Marc Clos: vibráfono en "Interrogatorio"
      • Santi García: ebow en "Interrogatorio"


      martes, 25 de abril de 2017

      MARYAM - Saurom


      Maryames el sexto disco del grupo español de Folk Saurom, lanzado el 3 de marzo del 2010. Fue titulado Maryam, relata de forma metafórica la Pasión de Cristo y el sufrimiento de su madre María, reivindicando la igualdad entre géneros y criticando el papel secundario que se le ha otorgado a la mujer en general a lo largo de la historia. Fue editado en marzo del 2010 en España y en México. En junio de 2010 en el resto de Hispanoamérica. El álbum venía acompañado de un DVD con directos y otros vídeos. La publicación de este disco les permitió realizar otra extensa gira por España, llegando a sitios a los que nunca habían acudido. En 2011 el grupo celebró su XV aniversario con una gira en la que utilizaron un setlistespecial en el que cronológicamente repasaban toda su carrera discográfica.
       
      Saurom Lamderth se formó en 1996 tras la ruptura del grupo RHF (Rapid heavy flamenc), en San Fernando (Cádiz). Sus fundadores fueron NarciLara y José Luis Godoy a los que se unió Antonio Ruiz y su primer bajista Abraham Reyes Expugnatum.
      Saurom(anteriormente Saurom Lamderth) es un grupo español que mezcla varios estilos de metal. Denominan su estilo «juglar metal», un conglomerado de música rock, folk y celta, aderezado con letras basadas en la literatura, principalmente en leyendas, poemas, romances y cuentos tradicionales, aunque con trasfondo crítico, cultural y social. Algunas de sus letras tienen una temática relacionada con la novela El Señor de los Anillos, de J. R. R. Tolkien y con la literatura clásica y tradicional andaluza.

      Crónica delálbumsegún SphereOfRemorseen la pagina oficial de Saurom:
      En ningún momento se hace crítica alguna hacia la religión ni existe ningún resquicio de apología de ella, ya que Saurom tienen aquí el cometido de contar una historia vista desde un punto muy personal y concreto.
      La historia transcurre, fielmente a lo contado por la Biblia, desde que María (A partir de ahora Maryam) conoce el destino de su hijo y el fin de salvar y redimir los pecados de la humanidad.
      Otro punto a favor son las letras: Hacía mucho tiempo que un disco en castellano, salvando honrosas excepciones, me hacían leerlas y releerlas.
      Están llenas de metáforas que hacen su lectura bastante agradable,y en ningún momento se pasa al recurso fácil, ni tampoco se encuentran versos metidos con calzador.
      Sin duda, hacen la historia más dramática a la vez que bella, establecen un punto de dulzura que acompañará bastante bien el duro relato que aquí se cuenta. Los estribillos son bastante coreables y muy agradables de oír.
      Sobre el estilo, decir que las partes folkies han sido bastante abandonadas, o más bien, tratadas desde otra perspectiva: Una flauta no tiene por qué ser siempre sinónimo de alegría, han sabido reinventarse, usar los mismos instrumentos pero enfocados con el fin de encajarlos en la historia. Las guitarras suenan más afiladas, encuadrándose en un heavy metal con una influencia máxima de los Blind Guardian de la era del “Imaginations”, salvando las distancias, claro… Muchas partes acústicas y melodías vocales me los han recordado.

      Pasemos a relatar un poco las canciones más destacadas, contextualizándolas un poco para no perder el hilo:
      Irae Dei: Maryam conoce el desolador y triste futuro que Dios sitúa a su hijo, expresa su dolor profundo e incredulidad por estos designios fatales. Se apoya en unos coros realmente épicos y en un estribillo que rompe de manera magistral con el ritmo de la canción
      Lc 1, 38 Dijo María: «He aquí la esclava del Señor; hágase en mí según tu palabra.
      ¡Grande, Grande!, desafío a la cruz que aguarda
      Ese cáliz nunca salpicará sus lanzas

      Nebulosa es una de las canciones que más me ha gustado, con un ritmo alegre y ciertamente trepidante. Explica la triste pero real situación de aceptar el futuro cruel que se presenta en el camino de Jesús.

      La Última Ceremonia mantiene muy presente los teclados, al igual que en las dos canciones anteriores, con un riff muy melódico, permite a Miguel Ángel (vocalista) usar diferentes registros y demostrar el abanico de posibilidades y sentimientos a evocar que posee.
      Me parece una de las mejores letras, la he interpretado desde diferentes pasajes bíblicos, tanto acerca de los cuarenta días que Jesús pasó en el desierto luchando contra las tentaciones que Satanás le tendía, como del lavatorio de pies a los apóstoles antes de la última cena, ante la negativa inicial de Pedro. Anuncia indirectamente la traición de Judas
      Jesús le dijo: El que está lavado, no necesita sino lavarse los pies, pues está todo limpio; y vosotros limpios estáis, aunque no todos.

      Traiciona a tus ídolos mantiene el clima creado por su predecesora, es bastante similar en todos los aspectos. Aborda directamente la traición de Judas (“Las monedas le cubren de plata su suerte”), y cómo una madre, pese al eterno desconsuelo, le expresa su cariño antes del final.
      El enfoque de esa desesperación tortuosa es impresionante ya que es difícil escribir “sobre lo que se sabe que va a pasar pero no se conocerá hasta un determinado momento”. La compone una melodía dócil en el estribillo y guitarras amansadas y suaves.

      Mentiras de Seda Pulcra quizás sea la que más me enganchó desde su primera escucha. Junto a las dos anteriores, de lo mejor del disco con diferencia.
      Aunque el que lo escuche se dará cuenta hacia aquí que aunque es un poco lineal, está bien conseguido. Aborda la negación por tres veces de Pedro.
      Negó Pedro otra vez; y enseguida cantó el gallo.
      Mírale a la cara sin temblar
      Por tres veces lo negaste
      Medroso arrepentimiento
      Merodea en tu disculpa

      Azogue en Vergel: Tras el inicio acústico “Blinguardiano”, pasamos hacia una canción lenta y densa que aborda la tristeza y los pensamientos introspectivos de quien aun es incrédulo con relación a su final.

      Aciaga Función también mantiene el inicio con coros cantados en latín, uno de los cortes más pausados y sensitivos, los elementos folkies de nuevo no suenan fiesteros y divertidos, la gaita que Saurom usa es aprensiva con la situación del final que poco a poco, se acerca.

      Non Culpa narra el juicio al que se ve sometido Jesús antes de ser sentenciado por Poncio Pilato, el pasaje del indulto a Barrabás y el inicio del Calvario, La influencia “Blindguardiana” es más notoria que nunca en la suave melodía que desprende la guitarra.
      Les habló otra vez Pilato, queriendo soltar a Jesús; pero ellos volvieron a dar voces, diciendo: ¡Crucifícale, crucifícale!

      De esta segunda parte del disco se puede extraer que la pausa a la que Saurom somete cada una de las canciones es usada para dramatizar y enfatizar la teatralidad. Personalmente me hubiera gustado que hubieran estado algo más repartidos, pero entiendo que contar una historia nunca es fácil.

      Para Siempre es la balada del disco, con una bonita y encantadora letra, apoyada en el clásico recurso de piano + guitarras.

      Aquel Paseo Sin Retorno recupera la velocidad que ya se echaba en falta en el resto de lo escuchado hasta ahora, estribillo pegadizo y logrado.

      Lágrimas Heladas recupera la tradición folk de Saurom de sus anteriores discos, de nuevo la flauta anticipa el fracaso del crucificado y cómo se desploman los deseos de libertad y redención.

      Stabat Mater Dolorosa cierra la historia, contiene una de las mejores letras donde resume el proceso cruel pero aceptado de Maryam
      Ven descansa en mis brazos
      Dulce flor otoñal
      Me arrancaron la vida
      Me quitaron lo que más quería

      En definitiva, me encanta por la historia, frescura que desprende y por las letras tan bien trabajadas por parte de Saurom.
       
      Lista de Canciones
      1.
      «Irae Dei»
      4:14
      2.
      «Nebulosa»
      3:37
      3.
      «La última ceremonia»
      4:25
      4.
      «Traiciona a tus ídolos»
      4:28
      5.
      «Mentiras de seda pulcra»
      3:56
      6.
      «Azogue en vergel»
      4:16
      7.
      «Aciaga función»
      2:50
      8.
      «Non culpa»
      4:03
      9.
      «Para siempre»
      4:15
      10.
      «Aquel paseo sin retorno»
      3.24
      11.
      «Lágrimas heladas»
      5:01
      12.
      «Stabat Mater dolorosa»
      4:30
      13.
      «Déjame su alma fraterna»
      0:57
      14.
      «Traiciona a tus ídolos» (versión acústica)
      4:21
      15.
      «Mentiras de seda pulcra» (versión acústica)
      3:51
      16.
      «Aciaga función» (versión instrumental)
      2:35
      17.
      «Lágrimas heladas» (versión instrumental)
      3:05

      Integrantes de Saurom
      • Miguel Ángel Franco Migue: voz
      • Antonio Ruiz Donovan: batería
      • Raúl Rueda Raulito: guitarra
      • José A. Gallardo Josele: bajo
      • Santiago L. Carrasco Santi: teclado
      • Narci Lara Márquez Narci: guitarra, coros, gaita y flauta
      Miembros actuales de la banda
      • Miguel Ángel Franco Migue: voz
      • Antonio Ruiz Donovan: batería
      • Raúl Rueda Raulito: guitarra
      • José A. Gallardo Josele: bajo
      • Santiago L. Carrasco Santi: teclado
      • Narci Lara Márquez Narci: guitarra, coros, gaita y flauta
      Antiguos miembros
      • Sophia Quarenghi Madame Violina: violín
      • José A. Gil José Saurom, el Negro: bajo
      • Francisco Garrido Paco: teclado, violín, gaita y segunda flauta
      • José Luis Godoy Godo: guitarra
      • Juan Garrido Jonh Macallister: bajo y voz
      • Abraham Reyes Expugnatum: bajo
      • Ana Crisman Anita: teclado
      • Pedro Gómez Peri: voz