IS IT IN YOU? - Puma Pumku

Is It In You? es el álbum debut del quinteto de Santiago de Compostela Puma Pumku, publicado el día 24 de Noviembre de 2014. Un disco que nace como un proyecto exitoso de crowdfunding, pero en el que Matapadre (Guerrera, Unicornibot, Telephones Rouges…) acabaría fijándose para su escudería, de forma que su disco debut sale en dos ediciones: la de Matapadre y la exclusiva para los mecenas en vinilo de color psicodélico y formato especial.

El álbum, que ha sido grabado y mezclado por Roberto Mallo y Rodrigo Caamaño de Triángulo de Amor Bizarro en su estudio de Boiro (A Coruña), está compuesto de 9 cortes en la versión digital y 10 en el vinilo, en los que la joven banda de Santiago de Compostela crea atmósferas delicadas e hipnóticas en una mezcla de psicodelia, rock y dream pop.

Los nuevos niños prodigio de Matapadre ya han podido demostrar lo bien que se desenvuelven encima del escenario en la fiesta Mataparty celebrada en Madrid la semana pasada, después de haber pasado el verano participando en festivales en diferentes puntos de España y Portugal. Además, ya han anunciado los primeros conciertos para presentar el disco en los próximos meses: el 12 de diciembre en Santiago de Compostela, el 3 de enero en Ourense y el 7 de marzo en Sarriá. Venga, pasad, os esperan ritmos intensos, desarrollos progresivos, improvisaciones eléctricas y aceleradas en un camino de psicodelia, rock y dream pop que te lleva del amanecer al ocaso, del bosque luminoso al túnel con escasa luz, de la redención a la condena. Porque de la no-experiencia también se vive.

Melodías de pop psicodélico marcan el camino de luces y sombras que es Is It in You?(Matapadre, 2014). Distintos paisajes y atmósferas llegan a la mente al escuchar y pararse frente a los nueve temas que dan forma al disco.

Abre “Days” con luces de colores entre las sombras, con una psicodelia pop cautivadora pero reposada. Allanando el terreno para que aterrice “Twilight of the mind”. Un hit de principio a fin, con sonoridades clásicas que recuerdan a Hawkwind, a los Beatles más psicodélicos y a unos Deerhunter incisivos pasados de reverb. Algo parecido a despertarse desnudo en el bosque, de noche, con un episodio de amnesia temporal y ver pasar las luces de los coches sin recibir auxilio.

“A window in time” tiene ecos de los Pink Floyd capitaneados por Syd Barrett en “The Piper At The Gates Of Dawn” (Columbia, 1967) y de Temples. “Liquid skies” es un medio tiempo con ritmo lento, en el que la voz de Amadeo nos señala el camino de baldosas amarillas en un mundo perdido teñido de colores. Un viaje mágico y misterioso en el que la música y nuestra mente se expanden.

“Ti como os viches?” es una pequeña subida de ácido de un minuto de duración, en el que tu vista se nubla y alguien te pregunta al oído: “Ti como os viches?” (“¿Tú como los viste?”)… Y tú solo sabes contestar con una sonrisa cargada de química.

“Lebensraum” se va casi a los siete minutos –en la maqueta inicial pasaba de los nueve-. Instrumentaciones evocadoras que van del space rock a los desarrollos progresivos. La voz es un instrumento más que busca la luz. En “The answer lies within” se traen los desarrollos melódicos clásicos aderezados con una sección rítmica intensa.

Cierra “The edge”, el corte más experimental del lote. Tras varios minutos de improvisación eléctrica y acelerada, encuentran la luz al final del túnel con una letanía redentora.

Estamos ante uno de los mejores discos de este 2014. El hecho, es simple. Un viaje que no deberías perderte.

1. Days – 4:57
   
2. Twilight of the mind – 6:11
   
3. A window in time -3:10
   
4. Liquid skies – 4:20
   
5. Ti como os viches? - 1:01
   
6. Lebensraum – 6:33
   
7. The answer lies within – 3:52
   
8. And now she knows – 3:56
   
9. The edge – 4:41
   

• Amadeo Varela: guitarra, voz
  
• Álvaro Dosil: guitarra, voz
  
• Guillermo Cavero: bajo
  
• Óscar Raña: batería
  
• Francisco Varela: teclado
  

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THE BLACK MARKET - Rise Against

The Black Marketes el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de hardcore punk Rise Against. Fue lanzado el 15 de julio de 2014 con la misma formación que sus dos álbumes anteriores, el guitarrista Zach Blair se ha convertido en el primer guitarrista de Rise Against para aparecer en tres álbumes de estudio.

El 14 de abril de 2014, la banda publicó un vídeo de corta duración en su página de Facebook con el mensaje "Coming Soon". El 5 de mayo de 2014, la banda publicó otro breve video que indicaba que un nuevo álbum sería lanzado en el verano de 2014. El 27 de mayo de 2014, la banda lanzó otro video corto con un teaser de una canción del nuevo álbum, y aclaró la fecha de lanzamiento para el verano de julio de 2014. El 4 de junio de 2014, un nuevo teaser fue lanzado en Facebook revelando el título del álbum The Black Market y fecha de lanzamiento del 15 de julio 2014.

Del primer sencillo del álbum, "I Don't Want to Be Here Anymore", fue lanzado el 10 de junio de 2014. El 13 de junio de 2014, fue lanzado en todos los principales sitios de redes sociales. El 8 de julio de 2014, la banda lanzó el álbum entero en pre-lanzamiento de streaming a través de iTunes.

El disco abre con The Great Die-Off canción que empieza con una poderosa batería que en menos de 10 segundos te engancha, las voces son limpias, algo ya visto en su anterior trabajo. Pegado le sigue el corte de difusión del disco I Don’t Want To Be Here Anymore.

De más está decir que las canciones cuentan con frases que hacen pensar como “Cause there is hate and there is love and there is loss,But there is light and there is dark, then there is us.” queperteneceA Beautiful Indifference o también en The Eco-Terrorist In Me, una canción con mucha velocidad y voces más sucias diciendo que no hay tiempo por perder si queremos defender nuestro planeta.

El disco mantiene mas o menos la misma línea hasta el tema 11 People Live Herela balada que no podía faltar, bien dirigida con acústicas y arreglos de cuerdas y una gran lírica como ya nos tiene acostumbrado Tim McIlrath.

Por último el tema que da nombre al disco The Black Marketa medio tiempo y recordándonos a “Savior”, por momentos la canción mas ganchera del álbum.

The Black Market debutó en el número tres en los EE.UU. Billboard 200, consiguiendo a la banda su segundo número tres de su carrera.

1. The Great Die-Off – 3:39
   
2. I Don't Want to Be Here Anymore – 3:59
   
3. Tragedy + Time – 4:17
   
4. The Black Market – 4:15
   
5. The Eco-Terrorist in Me – 2:45
   
6. Sudden Life – 4:08
   
7. A Beautiful Indifference – 3:24
   
8. Methadone – 3:48
   
9. Zero Visibility – 4:38
   
10. Awake Too Long – 3:11
    
11. People Live Here – 4:08
    
12. Bridges – 4:06
    

• Tim McIlrath – voz, guitarra rítmica
  
• Joe Principe – bajo, coros
  
• Brandon Barnes – batería, percusión
  
• Zach Blair – guitarra líder, coros
  

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WORLD ON FIRE - Slash

Este es el título del tercer disco de estudio del antiguo guitarrista de Guns N'Roses, Slashque cuenta con la participación de Myles Kennedy el vocalista de su disco anterior (Apocalyptic Love), que en su primer disco colaboró en canciones como "Starlight" y "Back From Cali", el bajista Todd Kerns, Frank Sidorisen la guitarra rítmica y Brent Fitz en la batería.

Slash confirmó el estreno de World On Fire el 15 de septiembre, fue publicado por Dik Hayd International, su propio sello discográfico, con la distribución internacional de Roadrunner Records. Según Slash "Todo lo que puedo decir es que realmente es un jodido gran disco. Estoy muy orgulloso, pero no quiero entrar en el ‘oh, amigo, es épico’, o ‘es la cosa más heavy jamás hecha’. Es muy rock n’ roll y como siempre, de una sensación muy diversa. Estoy muy orgulloso de todo lo que colectiva-mente hemos entregado para hacerlo", señaló el guitarrista.

"World On Fire" da comienzo a esta tercera entrega con mucha fuerza. Un corte rápido, alocado de percusión muy sólida y el bajo sonando como un látigo a la par. Muy buen riff y un solo de Slash veloz forman un tema ideal para abrir un concierto, poner patas para arriba e incendiar a toda una multitud.

"Shadow Life" con su ritmo danzante e hipnótico gracias a la batería la cual le imprime una dureza increíble, este track intercalara pasajes más calmos y un tratamiento más melódico en la voz de Myles invitándote automáticamente a cantar el estribillo a diferencia de lo que ofrece el siguiente "Automatic Overdrive"que repara más en la velocidad dejando un poco de lado los ritmos contagiosos pero sin perder melodía, gancho en sus estribillos y filo en las seis cuerdas.

El riff de "Wicked Stone"es inevitable no asociarlo con el melenudo guitarrista que aunque no se le ha reconocido mucho, es dueño de un estilo muy personal y fácil de reconocer al instante. Otro corte que posee mucha fuerza y un solo formidable al finalizar que pareciera no tener fin.

La intro con guitarra y batería quizás a algunos les resulte un tanto familiar que posee "30 Years to Life". Lo que sigue es riff veloz y salvaje muy bien acompañado por la banda, Kennedy enérgico y preciso en cada estrofa, un cencerro que sonara acompañando él solo, algo muy típico del estilo, y mucha adrenalina de puro rock americano.

Ahora toca el turno del infaltable medio tiempo de nombre "Bent to Fly". Cargado de melodía y arreglos tanto en la guitarra como en la percusión muy bien trabajados, estribillos donde radica el punto intenso y la voz de Myles para disfrutar a pleno. Sobresaliente track tanto por intensidad como por su complejidad.

"Stone Blind" no es más que otra dosis de buen hard rock que centra su apoyo y mayor fuerza en la guitarra y la voz, ambos factores van de la mano hasta colisionar con el solo que es lo que todos esperamos en este tipo de estilo. Simple, directo y potente.

La línea sigue siendo la misma, no por eso crean que el disco es plano, ya que "Too Far Gone"se mueve de forma más pausada resignando un poco la locura frenética del rock de Los Angeles pero dotando de mayor fuerza a la guitarra, marcando más los ritmos al igual que lo que sucede en "Beneath The Savage Sun"con una guitarra más metalizada aun, conformando dos de los cortes más duros del redondo.

Intro de guitarra, el infaltable cencerro acompañando y la mano de Slashvuelve a recuperar el filo con "Withered Delilah". Este corte se mueve relajado y suave pero incendiándose en el pegadizo estribillo. Más rock de la costa oeste inconfundible por transpirar energía y buenas vibraciones por doquier.

La balada del disco es "Battleground",quizás este sea el tema más insípido del disco y que no llega a pegar tan hondo como debiera un corte de esta naturaleza. Al solo le falta más calor y emoción lo cual le resta más puntos y el final con uno coros la lalala la la lalala la como para evitar que el barco se hunda con un solo de fondo, tampoco evitan el naufragio. No es malo pero si hubiese quedado fuera no afectaría.

"Dirty Girl" es pausado, melódico, con un buen riff de la mano de Slash, ritmo contagioso y los coros que entona Myles en los estribillos son una pieza excelente para mover el cuerpo y cantar a todo pulmón. Esto es rock simple buscando provocar emociones y sensaciones.

"Iris of the Storm" es otra especie de medio tiempo que busca combinar momentos suaves y de notas relajadas con fragmentos donde la guitarra aumenta su fuerza y los solos inyectan emoción, calidez y un feeling intenso. Muy buen apoyo de bajo y percusión contribuyendo más a inflar el track.

Una muy buena base rítmica se une a la guitarra del melenudo en "Avalon"siendo esta una pieza rápida, sencilla en estructura y de corta duración cuyo único fin es hacerte sacudirla cabeza, mover los pies y pasar un buen rato. Y siguiendo en la línea simple, "The Dissident"ofrece las mismas sensaciones, a base de melodías pegajosas, un coro diseñado para que lo cantes hasta dormido y un punteo con el mismo objetivo…. generan un perfil radiofónico ideal.

"Safari Inn" no es más que un instrumental donde Slash da libertad total a su inspiración, estilo y técnica permitiendo que sus manos recorran a gusto su instrumento en un derroche de melodías de sello personal con un excelente acompañamiento de la banda.

Y finalizando este extenso álbum, pero fácil de asimilar, nos topamos con un corte lento, de atmosfera oscura, donde la guitarra genera una densidad en la atmosfera bastante particular junto a efectos varios y la voz de Myles que se arrastras sigilosamente en la oscuridad de "The Unholy".

1. World on Fire (Slash, Myles Kennedy) – 4:32
   
2. Shadow Life (Slash, Kennedy) – 4:00
   
3. Automatic Overdrive (Slash, Kennedy) – 3:35
   
4. Wicked Stone (Slash, Kennedy) – 5:27
   
5. 30 Years To Life (Slash, Kennedy) – 5:08
   
6. Bent To Fly (Slash, Kennedy) – 4:56
   
7. Stone Blind (Slash, Kennedy) – 3:49
   
8. Too Far Gone (Slash, Kennedy) – 4:07
   
9. Beneath The Savage Sun (Slash, Kennedy) – 5:48
   
10. Withered Delilah (Slash, Kennedy) – 3:10
    
11. Battleground (Slash, Kennedy) – 6:59
    
12. Dirty Girl (Slash, Kennedy) – 4:14
    
13. Iris Of The Storm (Slash, Kennedy) – 4:00
    
14. Avalon (Slash, Kennedy) – 3:00
    
15. The Dissident (Slash, Kennedy) – 4:26
    
16. Safarin Inn (Slash, Kennedy) – 3:26
    
17. The Unholy (Slash, Kennedy) - 6:48
    

• Slash – guitarra solista
  
• Myles Kennedy – voz
  
• Todd Kerns – bajo, coros
  
• Brent Fitz – batería
  
• Frank Sidoris - guitarra rítmica
  

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SONIC HIGHWAYS - Foo Fighters

Sonic Highways es el título del álbum de la banda de rock estadounidense Foo Fighters, salió el 10 de noviembre de 2014. El título, la lista de canciones y la fecha de lanzamiento fueron anunciadas el 11 de agosto de 2014. Se han liberado tres sencillos que son "Something From Nothing", "The Feast and the Famine" y "Congregation".

La edición en vinilo viene con la opción de escoger nueve portadas diferentes, pero éstas portadas alternativas sólo están disponibles al pre-ordenarel álbum desde el sitio web oficial de Foo Fighters. El álbum fue producido en Estados Unidos por Butch Vig y las ocho canciones fueron grabadas cada una en alguna ciudad de : Austin, Chicago, Los Ángeles, Nashville, Nueva Orleans, Nueva York, Seattley Washington, D. C.. Las portadas alternativas muestran cada una de las ocho ciudades diferentes.

Pese al ambicioso concepto, no se trata de una auténtica renovación de los Foos: las ocho canciones de Sonic highwaystienen la misma monstruosafuerza guitarreray los impactantes crescendos que se pueden hallar en todos los discos que han hecho en este siglo. Invitados locales como Zac Brown(Nashville) y la Preservation Hall Jazz Band. (Nueva Orleans) no hacen más que acercarse al sonido ya establecido de los Foo.

En What did I do?/ God as my witness, unbombástico himnoque mezcla a Queen con los primeros Beatles, el habitualmente estruendoso tono del mago de la guitarra de Austin Gary Clark Jrno deja mucha huella. Pero Joe Walsheleva Outside–un diario sobre estar atrapado en el dolor y la oscuridad– con un psicotrópico solo que eructaen un tormentoso apocalipsis.

Estas canciones están entre las más ambiciosas del grupo. El cierre, I am a river, crece hasta siete condescendientes minutos, con Grohl poniéndose emotivo sobre un fondo orquestal. En el otro extremo, Subterranean,una balada abstracta al estilo Pink Floydque trata sobre empezar de nuevo tras el final de una relación que te define, algo de lo que Grohl sabe bastante. Pero no hay nada tan encantadoramente excéntrico como los primeros discos de los Foo, ni tan oscuramente excitante como las mejores canciones de Wasting light.Grohl ha dicho que consideró hacer un disco más experimentalantes de pensar, “que le den”. Se hace difícil no desear que hubiera tomado ese camino un poco más aventurero.

El disco hay que escucharlo como un todo junto con su serie. Y es un experimento ya que cada canción está grabada en un estudio diferente, con gente diferente y con estados de ánimo y sentimientos diferentes, lo que se hace notar en cada tema.

1. Something From Nothing - 4:49
   
2. The Feast and the Famine - 3:50
   
3. Congregation - 5:12
   
4. What Did I Do?/God As My Witness - 5:44
   
5. Outside - 5:15
   
6. In the Clear - 4:04
   
7. Subterranean - 6:08
   
8. I Am a River - 7:09
   

• Dave Grohl - voz, guitarra rítmica
  
• Nate Mendel - bajo eléctrico
  
• Pat Smear - guitarra rítmica
  
• Taylor Hawkins - batería, coros
  
• Chris Shiflett - guitarra solista, coros
  

colaboraron

• Gary Clark Jr., Rick Nielsen de Cheap Trick
  
• Joe Walsh de los Eagles
  
• Joan Jett, Ben Gibbard de Death Cab For Cutie
  
• Zac Brown, Rami Jaffee, y The Preservation Hall Jazz Band.
  

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HEROES - David Bowie

En este 25 aniversario de la caida del muro de Berlin subo el álbum Heroes del músico y compositor británico David Bowie, lanzado en 1977. Es la segunda entrega de su 'Berlin Trilogy' junto a Brian Eno (siendo las otras Lowy Lodger) “Heroes”desarrolla el sonido de Lowen una dirección más positiva

De los tres álbumes, es el que más se ajusta a la denominación de "Berlín", siendo el único que se grabó allí íntegramente. La pista que da nombre al álbum sigue siendo una de las más conocidas de Bowie, una historia de amor entre dos personas que se conocen en el muro de Berlín. El álbum es considerado por los críticos como uno de los mejores del artista, en parte gracias a la contribución del guitarrista Robert Fripp quién voló desde Estados Unidos y grabó sus partes en un día. Se dice que John Lennon mencionó mientras hacía su álbum Double Fantasyen 1980 que su ambición era «hacer un álbum tan bueno como “Heroes”». Fue nombrado "álbum del año" por la revista NME.

Heroes abre con Beauty And The Beast, fogonazos de música electrónica, samplers, punteos de guitarra y una entrada de Bowie con la voz más distorsionada y artificial, equilibrando la frialdad acompañado de unos coros femeninos y con Eno creando colages sonoros con su sintetizador, llevando la batuta, siendo el director de orquesta; el primer gran tema de Heroes, sin duda.

Joe The Lionera una mezcla alocada y disonante de guitarras distorsionadas y la voz corriendo diáfana, fluctuando entre conversación y gritos ampulosos mientras Alomar, Fripp y Murray crean una danzante y a la vez férrea muralla sonora, con David metido en su burbuja delirante, creando una música desordenada y turbulenta con su canto amanerado e inestable.

Heroes el tema ha pasado a la historia como uno de los mejores de Bowie y tiene su propia historia. Resulta que Bowie siempre estaba dispuesto a probar cualquier técnica de grabación nueva con la que Visconti y Eno quisieran experimentar. En un estudio con mucha reverberación es una práctica común encerrar a un cantante entre cuatro paredes, entre cuatro tabiques desordenados. No obstante, Visconti receló de la idea y colocó tres micros con puertas electrónicas. Esas puertas no se abrían hasta que David cantaba por encima de un determinado volumen. Durante una media hora, David tuvo que alterar entre gritos y susurros, pero una vez que encontraron los niveles adecuados; salió estupendamente. La reveberación que se oye en Heroeses la natural de la sala en la que cantó, pero con puertas. La toma de David sirviño también para que él compusiera la letra. Escribía o modificaba un verso previamente escrito a la vez que lo cantaba, y pedía que detuvieran la máquina mientras corregía una o dos líneas. Al cabo e dos horas adquirieron una toma de voz final y una letra definitiva, que salieron casi al mismo tiempo.

Posteriormente, David y Visconti cantaron los coros, embelleciendo y contestando algunas líneas. Es posible oir el acento oriundo de Brooklyn de Visconti en determinadas frases. Se ha escrito equivocadamente que Brian Eno y David cantaron los coros de esta canción. Pero los créditos del álbum dicen claramente que los cantaron Visconti, Bowie y una muchacha llamada Antonia Mass, una cantante que conocieron en un club de Berlín. El affair entre Visconti y Mass inspiró a Bowie para realizar la canción, ya que éste, desde la sala de control, contempló a los dos amantes besándose a escasos metros del Muro. Heroes es un hermoso enladrillado sonoro, un bloque monótono, repetitivo, sucesivo, imparable y mecánico. La imagen de Bowie de pie en los Hansa Studios, con su fría decadencia, haciendo añicos los micros con puertas de Visconti, fue uno de sus mejores momentos.

Sons Of The Silent Agesirve de puente para Blackout, con elementos folklóricos y que se asemeja bastante a "Beauty And The Beast" nos mecen hasta la segunda cara del disco, que comienza con V-2 Schneider. Cabe destacar que los instrumentales de la segunda cara destilan una melancolía sombría y amenazadora. Los timbres nítidos y frescos del "Low" son sustituidos por saxo, percusión y primera guitarra en este primer tema. En este corte, Bowie había empezado su parte de saxo en un tiempo equivocado, pero decidió que le gustaba más así y terminó la toma. Es una pieza musical que recogía a modo de anuario la historia de Berlín. Casi puede ver uno a los nazis desfilando frente a la sala de control de los Hansa Studios mientras la música -tenaz y persistente- sale a borbotones de los altavoces.

Sense Of Doubtes fría y aterradora, con una frase de cuatro notas al piano sobre una extraña línea de sintetizador, como un retazo de sonido extraído de una banda sonora silenciosa y de época expresionista. Moss Gardenes tranquila y pasiva, un sujeto paciente musical que va evolucinando tan despacio que apenas resulta perceptible a primera vista, con Bowie y Eno enseñando su faceta más vanguardista y pictórica, a la par que abstracta. Como una de las exposiciones de arte de Eno en los ochenta, como un colage casi estático de formas y secuencias de dibujos que evolucionan lentamente, los elementos receptivos de Moss Garden forman un mosaico que desborda al oyente. La inclusión de un perro robótico ladrando en el fondo de la mezcla son sorpresas originales.

Neukolntiene otra música inquietante, y resulta deliberadamente menos siniestro o manifiesto que "Sense Of Doubt", cuando Bowie esboza sus retazos impresionistas de saxo melismático. La sensación de inquietud y malestar provocada por la música refleja la sensación de alienación y disfunción que experimentaron los inmigrantes turcos que se instalaron en la zona berlinesa de Neukölln. La parte final presenta el saxo de Bowie atronando en un puerto de soledad, como perdido en la niebla; son los últimos estertores de un instrumento que terminan en una nota furiosamente rebotada.

The Secret Life Of Arabiaes excelente, pero su ubicación en el disco estropea por así decirlo el efecto dramático. Si bien la última nota de Neukoln merecía ser el último sonido del álbum, Bowie concluye la serie con una canción pop más convencional. Un groove descomunal asciende en espiral a lo largo del tema, y Bowie, una vez más, es el protagonista de una película escenificada en sonido: "Debes ver la película, la arena en mis ojos, camino por una canción desierta cuando la heroína muere". Y aquí concluye el disco.

Todas las letras compuestas por David Bowie; toda la música compuesta por David Bowie, excepto donde se indique lo contrario.

Cara A

1. "Beauty and the Beast" – 3:32
   
2. "Joe the Lion" – 3:05
   
3. "Heroes" (Bowie, Brian Eno) – 6:07
   
4. "Sons of the Silent Age" – 3:15
   
5. "Blackout" – 3:50
   

Cara B

1. "V-2 Schneider" – 3:10
   
2. "Sense of Doubt" – 3:57
   
3. "Moss Garden" (Bowie, Eno) – 5:03
   
4. "Neuköln" (Bowie, Eno) – 4:34
   
5. "The Secret Life of Arabia" (Bowie, Eno, Carlos Alomar) – 3:46
   

• David Bowie – voz, teclados, guitarra, saxofón, koto, coros.
  
• Carlos Alomar – guitarra rítmica
  
• Dennis Davis – percusión
  
• George Murray – bajo
  
• Brian Eno – sintetizador, teclados, tratamientos de guitarra.
  
• Robert Fripp – guitarra principal
  
• Tony Visconti – coros
  
• Antonia Maass – coros
  

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THE NEXT DAY EXTRA - David Bowie

The Next Dayes el vigésimo cuarto álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado el 8 de marzo del 2013 por el sello discográfico Columbia Records.

El propio Bowie anunció la publicación de The Next Day, que supone el primer álbum de estudio con nuevo material en diez años, desde la publicación en el 2003 de Reality, sin aviso previo el día de su 66º cumpleaños en enero del2013 y adelantandoel videoclip de su primer sencillo, «Where Are We Now?». El álbum fue publicado en formato streaming a través de la web de iTunes pocos días antes de su publicación oficial.

En una entrevista con The Times, Visconti reveló que el álbum estaba integrado por material nuevo y sin versiones, «casi un disco de rock». El primer sencillo del álbum fue la balada «Where Are We Now?», una canción que Visconti describió como «el único tema del álbum que va hacia el interior». Visconti sugirió a Bowie que escogiese «Where Are We Now?» como el primer sencillo promocional del álbum porque «la gente tenía que tratar con el shock de que regresara tras diez años de ausencia», y porque la naturaleza introspectiva de la canción la hacía una elección apropiada. «The Stars (Are Out Tonight)» fue publicada como segundo sencillo el 26 de febrero en formato de descarga digital, con un videoclip estrenado el día previo.

La portada de The Next Dayes una versión adaptada de la portada de "Heroes", un álbum de Bowie publicado en 1977. Diseñado por Jonathan Barnbrook, quien también diseñó las portadas de Heatheny Reality, la portada superpone un recuadro blanco sobre la imagen de Bowie y muestra el título de Heroestachado. Barnbrook explicó la portada comentando: «Si vas a subvertir un álbum de David Bowie hay muchos para elegir, pero este es uno de los más venerados, tenía que ser una imagen que sacudiese a la gente si se subvertiese de alguna manera, y pensamos que Heroesfuncionaba bien».

El 15 de enero, se inauguró una campaña de marketing viral para promocionar The Next Day. La campaña surgió a partir del diseño de la portada, tomando imágenes aparentemente normales a las que se añadieron recuadros blancos imitando el diseño de The Next Day.

El álbum fue nominado al Grammy al mejor álbum de rock en la 56ª gala de los premios.

Todas las canciones escritas y compuestas por David Bowie excepto donde se indica.

1. The Next Day – 3:27
   
2. Dirty Boys – 2:58
   
3. The Stars (Are Out Tonight) – 3:56
   
4. Love Is Lost – 3:57
   
5. Where Are We Now? - 4:08
   
6. Valentine's Day – 3:01
   
7. If You Can See Me – 3:15
   
8. I'd Rather Be High – 3:53
   
9. Boss of Me (Bowie, Gerry Leonard) – 4:09
   
10. Dancing Out in Space – 3:24
    
11. How Does the Grass Grow? (Bowie, Jerry Lordan) – 4:33
    
12. (You Will) Set the World On Fire – 3:30
    
13. You Feel So Lonely You Could Die – 4:41
    
14. Heat – 4:25
    

Bonus tracks (edición deluxe)

15. So She – 2:31
    
16. Plan – 2:02
    
17. I'll Take You There (Bowie, Leonard) - 2:41
    
18. God Bless the Girl (sólo en Japón) – 4:11
    

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THE ENDLESS RIVER - Pink Floyd

The Endless Riveres el decimoquinto álbum de estudio del grupo británico Pink Floyd. Producido por David Gilmour, Youth, Andy Jackson y Phil Manzanera, el álbum está programado para ser publicado por Parlophone y Columbia Records los días 7 y 10 de noviembre respectivamente. Supone el primer trabajo del grupo desde la muerte del teclista Richard Wright, y el tercero tras la marcha de Roger Waters en 1985. The Endless Riveres también el primer disco del grupo distribuido por Parlophone y Warner Bros. Records, después de la compra de EMI y sus activos por Universal Music Group en 2012.

Descrito como un «canto de cisne» para Richard Wright, The Endless Rivercomprende en su mayoría música ambiental e instrumental, basada en veinte horas de material inédito de la banda. Fue escrito, grabado y producido con Wright durante las sesiones del anterior trabajo del grupo, The Division Bell, en 1994. El trabajo fue terminado a bordo del Astoria, una casa flotante y estudio de grabación propiedad de Gilmour, entre 2013 y 2014.

Pink Floyd y Parlophone lanzaron una campaña de promoción previa al lanzamiento del álbum con anuncios de televisión y réplicas de la portada del álbum colocadas en ciudades como Londres, Nueva York, París, Berlín y Milán. El concepto de la portada es de Ahmed Emad Eldin, con el diseño realizado por Stylorouge.

The Endless Riverha sido descrito por el grupo como un álbum de música ambiental e instrumental, con una única canción cantada, «Louder Than Words», y escrita por la esposa de Gilmour, Polly Samson, quien también comparte créditos en la composición de canciones de The Division Belly de On an Island. Es también el primer álbum de estudio en otorgar créditos de composición a Nick Mason desde The Dark Side of the Moon, cuarenta años después.

The Endless Riverestá basado en material originalmente grabado en 1993 y 1994 durante las sesiones de The Division Bell, que tuvieron lugar en los Britannia Row Studios y a bordo del Astoria, donde se grabó A Momentary Lapse of Reason. Andrew Jackson, ingeniero de sonido del grupo, editó el material, descrito por Nick Mason como música ambiental, y la acortó a una hora de grabación, en una composición tentativamente titulada The Big Spliff. El grupo consideró la posibilidad de publicarla, pero fue finalmente archivada. Tras la muerte de Richard Wright, Gilmour y Mason volvieron al estudio para trabajar sobre The Big Spliff, invitando a músicos y productores para desarrollar un nuevo álbum de Pink Floyd. El proceso comenzó en 2012, cuando Gilmour solicitó a Phil Manzanera que trabajase en el material. Manzanera escuchó cerca de veinte horas de grabaciones, y junto a Jackson y al ingeniero Damon Iddins, editaron el material y construyeron cuatro piezas de catorce minutos durante un periodo de seis semanas. Poco después, Gilmour ofreció las dos primeras piezas a Youth, quien trabajó en ellas incluyendo varias partes de guitarra y bajo. En noviembre de 2013, Gilmour retomó las sesiones, trabajando con Manzanera, Youth y Jackson, mientras el músico grababa nuevas partes musicales con Mason, Gilad Atzmon y Guy Pratt.

The Endless Riverfue pensado originalmente como un álbum instrumental en la línea de The Big Spliff. Sin embargo, varias coristas como Durga McBroom fueron invitadas al estudio en diciembre de 2013, y el propio Gilmour cantó la voz principal en una canción, compuesta por su mujer Polly Samson. Según el propio Gilmour:

«The Endless River tiene su punto de comienzo en la música que salió de las sesiones de The Division Bell. Escuchamos casi veinte horas de nosotros tres tocando juntos y seleccionamos la música que quisimos trabajar para el nuevo álbum. A lo largo del último año hemos añadido nuevas partes, regrabado otras y generalmente aprovechado la tecnología de estudio para hacer un álbum de Pink Floyd del siglo XXI. Sin Rick, y con ello sin la oportunidad de volverlo a hacer, me sienta bien que estas canciones revisitadas y regrabadas formen parte de nuestro repertorio».

En una entrevista en marzo de 1994, Richard Wright comentó sobre las sesiones de The Division Bell:

«En realidad teníamos cuatro DAT de noventa minutos de cinco o seis horas de música. Lo más difícil fue tirar cosas y decidir lo que íbamos a trabajar. Así que tuvimos tal vez treinta o cuarenta piezas de música y trabajamos en la mayoría de ellas. Y luego tuvimos que abandonar cosas que nos encantaban, ¡sin saber cómo iba a ser el álbum! Por ejemplo, hay piezas que dejamos que creo que deberían estar ahora en el álbum. Pero las dejamos, porque no teníamos una idea clara de cómo sería el álbum. ¡Pero no se perdieron! Están en mi cabeza, están en la cabeza de Dave. Van a estar en mi álbum en solitario, en otro álbum de Pink Floyd o lo que sea».

En septiembre de 2014, Gilmour y Mason aclararon que solo una pequeña parte de The Big Spliff, recopilada por Andy Jackson, aparece en The Endless River, y que no fue extraído de Soundscape, un tema extra publicado en la edición en casete del álbum en directo Pulse. El disco final está basado en cuatro piezas diferentes divididas en las correspondientes partes del disco, con la suma de partes de guitarra y batería sobregrabadas. También revelaron el título de una canción, «Louder Than Words», y la fecha de publicación el 10 de noviembre.

En un comunicado, Mason contextualizó el álbum como un homenaje a Wright: «Creo que este disco es un buen modo de reconocer lo que hizo y cómo su forma de tocar era el corazón del sonido de Pink Floyd. Volviendo a escuchar las sesiones, volví a entender lo buen teclista que era». Cuando fue preguntado si The Endless Riversería el último disco del grupo, Gilmour contestó: «Sí, estoy bastante seguro que no habrá ningún tipo de sucesor después de esto». También añadió que varias sesiones inéditas de Wright grabadas para proyectos en solitario de Gilmour iban a publicarse en el futuro.

La portada de The Endless Riverfue concebida por el artista egipcio Ahmed Emad Eldin y fue desarrollada digitalmente por el estudio de diseño Stylorouge. Descrita por Anthony Barnes de Press Acociation como «representando un hombre con una camisa abierta atravesando un mar de nubes hacia el resplandor del sol», supone el cuarto álbum del grupo que no incluye el diseño de Storm Thorgerson, fundador de Hipgnosis, quien murió en 2013. Con la excepción de The Piper at the Gates of Dawn, The Wally The Final Cut, el resto de las portadas de Pink Floyd fueron creadas por Thorgerson.

El título del álbum apareció anteriormente en la letra del último sencillo de The Division Bell, «High Hopes»: «The water flowing / The endless river / Forever and ever». Gilmour mencionó que nombrarlo The Endless Riversugería «algún tipo de continuación» conectando los dos discos, dado que procedían de las mismas sesiones.

Cara A

1. «Side 1, pt. 1: Things Left Unsaid» 4:24
   
2. «Side 1, pt. 2: It's What We Do» 6:21
   
3. «Side 1, pt. 3: Ebb and Flow» 1:50
   

Cara B

4. «Side 2, pt. 1: Sum» 4:49
   
5. «Side 2, pt. 2: Skins» 2:37
   
6. «Side 2, pt. 3: Unsung» 1:06
   
7. «Side 2, pt. 4: Anisina» 3:15
   

Cara C

8. «Side 3, pt. 1: The Lost Art of Conversation» 1:43
   
9. «Side 3, pt. 2: On Noodle Street» 1:42
   
10. «Side 3, pt. 3: Night Light» 1:42
    
11. «Side 3, pt. 4: Allons-y (1)» 1:56
    
12. «Side 3, pt. 5: Autumn '68» 1:35
    
13. «Side 3, pt. 6: Allons-y (2)» 1:35
    
14. «Side 3, pt. 7: Talkin' Hawkin'» 3:25
    

Cara D

15. «Side 4, pt. 1: Calling» 3:38
    
16. «Side 4, pt. 2: Eyes to Pearls» 1:51
    
17. «Side 4, pt. 3: Surfacing» 2:46
    
18. «Side 4, pt. 4: Louder than Words» 6:32
    

Edición deluxe

19. «TBS9» 2:27
    
20. «TBS14» 4:11
    
21. «Nervana» 5:39
    

• David Gilmour: guitarra, voz, teclados y bajo
  
• Nick Mason: batería y percusión
  
• Richard Wright: órgano Hammond, piano, sintetizador y teclados
  

Otros músicos

• Guy Pratt: bajo
  
• Bob Ezrin: bajo
  
• Jon Carin: teclados
  
• Damon Iddins: teclados
  
• Gilad Atzmon: saxofón tenor y clarinete
  
• Chantal Leverton: viola
  
• Victoria Lyon: violín
  
• Helen Nash: cello
  
• Honor Watson: violín
  
• Durga McBroom: coros
  
• Louise Marshal: coros
  
• Sarah Brown: coros
  
• Stephen Hawking: sample de voz
  

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LAZARETTO - Jack White

Lazarettoes el segundo álbum de estudio de Jack White. Fue lanzado el 10 de junio de 2014, por Third Man Records en colaboración con XL Recordings y Columbia Records. Como anticipo al lanzamiento del álbum, el 1 de abril ya se pudo escuchar una de las canciones, High Ball Stepper. Posteriormente, el 19 de abril Jack White tocó en directo la canción que daría título al disco y el mismo día la grabó, consiguiendo así el Guiness al "disco más veloz del mundo" al editarlo y grabarlo en sólo 3 horas y 55 minutos. El día 22 de abril publicó la versión de estudio del single Lazaretto. El 17 de mayo nos dejó escuchar otro adelanto, la canción Just One Drink, y una semana antes del lanzamiento del disco ya podía escucharse en streaming el adelanto del álbum.

Las canciones del disco se inspiraron, en parte, por los cuentos y obras de teatro escritas por White cuando tenía 19 años. Él encontró los escritos en su ático y losadactoen lascanciones.

Comentoenla revistaRolling Stone "eso es basura, y serieron mientras yo estaba leyendo".Yo iba a tirar la mayoríade ellas, pero me inspirabannuevos estilos paraescribir canciones del álbum". En abril, un video de la canción instrumental "Ball High stepper" fue lanzado como un teaser para el álbum. "Lazareto", la canción que da título, fue confirmadacomo el primer single del álbum. White explicó el significado de la canción a NPR (la Radio Pública Nacional): "Esta era una rima sobre el fanfarrón de algunas de las canciones de hip hop que se jacta de sí mismo en la música hip hop. El personaje que está cantando esta canción se jactaba de sí mismo, pero en realidad está presumiendo de cosas reales que en realidad lleva a cabo y las cosas reales que en realidad hace, no son cosas imaginarias o cosas que le gustaría hacer". La canción "Just One Drink "se estrenó en mayo.

The Vault, servicio de suscripción Exclusive fan club of the third man, lanzó una versión de edición limitada del álbum en vinilo azul y blanco. Se suministra con un libro de tapa dura de 40 páginas, un póster desplegable, una foto Archivos Nacionales que aparece a lo largo de la caratuladel álbum, y una de 7 pulgadas que ofrece versiones demo de dos canciones grabadas en México, "alone in my house" y "right", las versiones acabadas de los cuales aparecen en el álbum. La versión "Ultra LP" contiene pistas ocultas que se presionan en el vinilo por debajo de la etiqueta interior de cada lado del disco, unacanción ("one swallow") que tiene dos intros diferentes dependiendo de donde se cayó la aguja, drones continuos, y hologramas que aparecen en la superficie del disco cuando se está reproduciendo.

Todas escritas por Jack White excepto "Three Women" escrita por Blind Willie McTell

1. Three Women – 3:57
   
2. Lazaretto – 3:39
   
3. Temporary Ground – 3:13
   
4. Would You Fight for My Love? – 4:09
   
5. High Ball Stepper – 3:52
   
6. Just One Drink – 2:37
   
7. Alone in My Home – 3:27
   
8. Entitlement – 4:06
   
9. That Black Bat Licorice – 3:50
   
10. I Think I Found the Culprit – 3:49
    
11. Want and Able – 2:34
    

• Jack White - voz principal (con excepción de la pista 5), Guitarra eléctrica (pistas 2, 4, 5, 6 y 9), de guitarra acústica (pistas 3, 6, 7, 8, 10, y 11), piano (pistas 1 y 11), maracas (pista 7), agitador (pista 7), percusión (pista 9)
  

Músicos adicionales

• Dean Fertita - guitarra eléctrica
  
• Maggie Björklund - guitarra acústica, guitarra pedal steel
  
• Grasas Kaplin - violín, la mandolina, la guitarra pedal steel
  
• Catalina Popper - guitarra baja
  
• Dominic Davis - bajo eléctrico, contrabajo
  
• Bryn Davies - contrabajo
  
• Ben Blackwell - tambores
  
• Daru Jones - tambores
  
• Carla Azar - tambores, timbales
  
• Patrick Keeler - tambores
  
• Rubí Amanfu - Shaker, pandereta, coros
  
• Olivia Jean - tambores africanos, coros
  
• Lillie Mae Rische - violín, la mandolina, coros
  
• Timbre Cierpke - arpa
  
• Ikey Owens - Fender Rhodes, Hammond B3, teclados, sintetizador Moog, Piano
  
• Brooke Waggoner - clavinet, Hammond B3, sintetizador Moog, piano
  
• Cory Younts - armónica, Korg Sintetizador, mandolina, piano, coctelera, coros
  

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